Learn About Animation
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A Brief History of Animation
A few facts about animation before we get started.
  1. Cartoons/Animation were never meant just for children.
  2. Walt Disney did not invent animation.
Okay, with that out of the way, let’s get on with the brief history of animation.

What is Animation?

Simply put, animation means the state of being alive or to bring something to life.

More specifically, animation means to create the illusion of movement by manipulating a series of individual images. When the images are strung together and projected at a speed of at least 16 frames per second, the illusion of continuous movement is created.

How these images are brought to life is a different matter. Animation can be made using just about anything: drawing, scratching, sand, puppets, chalk boards, walls, paint, bugs, candy, tea, or computers.

Who Invented Animation?

It’s difficult to pinpoint a single person as the inventor of animation. Instead it was a long, collaborative (and sometimes not-so-collaborative) process that evolved over centuries. In fact, animation really started with cavemen. That’s right. Cave paintings are the earliest examples of artists attempting to infuse their drawings with life and movement.

Early Animation Devices

Animation was born about 200 years ago out of a few small devices meant to create the illusion of life. These devices produced the very first moving pictures of any kind, whether moving a series of still photographs of someone walking, or a drawing of an animated character waving. The science behind how these images come to life in these early devices still form today's rules of how to create animation. Interestingly, the first live-action movie projectors also came from these devices.


During the mid to late 1800s, numerous devices (magic lantern, thaumatrope) were created that gave drawings the illusion of movement. Another device is currently used as the logo for the Ottawa International Animation Festival. This disc shaped device is called a phenakistiscope. Invented by Joseph Plateau of Belgium, this device is one of the earliest forms of animation.

The phenakistiscope was often mounted on a stick. Images are drawn around the centre of a circular disc. Slits are made just above each drawing. There are a couple of ways of using a phenakistiscope. Mounted on a stick, a person spins the disc in front of a mirror. The motion blurs the images together and creates the illusion of movement.

Flipbooks remain one of the most popular and accessible forms of animation today. Invented in the late 1880s, flipbooks contain a set of sequential pictures. When the pages are flipped rapidly the pictures appear to move.

Animation Films

The first animation film was called Humourous Phases of Funny Faces (1906) by J. Stuart Blackton. In this very simple film, a face on a chalkboard come to life.

Some consider Emile Cohl’s Fantasmagorie (1908) to be the first fully animated film. Using the chalk board idea from Blackton, Cohl’s film (composed of 700 drawings) was a wild, non-linear film featuring all sorts of crazy transformations.

Other important early animation pioneers include: Winsor McCay (whose Gertie The Dinosaur, made in 1914, was one of the earliest character-driven animation films), Otto Messmer (who created animation’s first star, Felix the Cat), and Polish/Russian Ladislas Starevich, whose film The Cameraman’s Revenge (1912) was not only one of the earliest stop-motion animation films, but was also notable for it’s very adult content (adultery!) and its use of real (dead) insects as characters.

The Golden Age of Cartoons

The period between the 1930s and 1950s remains one of the most inspiring and beloved in animation history. During this period Walt Disney changed the face of animation with the creation of Mickey Mouse, Donald Duck and, eventually, animation feature films.

Behind the talents of Chuck Jones, Friz Freleng, Bob Clampett and others, Warner Bros. hit the spotlight with an array of hilarious, surreal and biting comedies featuring an assortment of bizarre characters including Bugs Bunny, Daffy Duck, and Porky Pig.

Meanwhile the Fleischer Brothers (Max and Dave) were creating even more surreal cartoons starring their popular creations Betty Boop and Koko the Clown.

Over at MGM, a former Warner Bros. animator named Tex Avery was churning out a stream of genius comedies that made Warner Bros seem tame by comparison.  Avery’s eye-poping, tongue dropping, sex starved characters (the Wolf, Droopy, Screwy Squirrel) and insane scenarios ran the border between sanity and madness.

Animation Gets Artsy

During the 1940s, two important new streams of animation appeared in the form U.P.A. (United Productions of America) and Norman McLaren.

In 1939, the Canadian Government founded the National Film Board of Canada (NFB) a state film studio. In 1942, the NFB established an animation department under the guidance of a Scottish-born artist named Norman McLaren. Initially an afterthought (in fact, early on Walt Disney produced propaganda films for the NFB), under the guidance of Norman McLaren, NFB animation, with it’s innovative techniques that fused art and education and seemed miles away from Hollywood cartoons, soon won an array of international acclaim (including Canada’s first Oscar®  for McLaren’s film, Neighbours in 1952), and put Canada firmly on the animation map.

McLaren’s dazzling, original films also encouraged more artists to try animation on their own, outside the often stifling realm of the studio system.

In many ways, Norman McLaren’s success gave birth to a new kind of animation that was personal and poetic, that didn’t rely on gags or goofy characters. This was animation that equalled any painting, poem or composition.

U.P.A was formed by a number of striking ex-Disney animators (notably John Hubley) who believed that animation didn’t have to be a realistic imitation of life. Influenced by modern art, UPA made an impressive and influential body of work (Gerald McBoing Boing, Mr. Magoo. Rooty Toot Toot) that experimented with design and perspective.

In an interesting contradiction, UPA not only opened the doors of animation experimentation, but their minimal approach also paved the way for the birth of TV animation.

TV Animation

Because animation was a costly and timely process, television was slow to embrace original animation productions. While Warner Bros. short animation films might take six months or so to complete, TV networks needed 10-20 half hour episodes.  

Using U.P.A.’s minimalist approach to design and technique, animation producers soon learned to save time and money by devising various shortcuts in the production process. The result was a stream of low-budget cartoons.

While UPA (Dick Tracy) and Jay Ward (Rocky and Bullwinkle) had some modest TV success, no studio mastered the art of limited animation more than Hanna-Barbera. Beginning with The Flintstones (1966), Hanna-Barbera created some of TV’s most popular and endearing shows including The Jetsons, Jonny Quest, and Scooby-Doo.

Animation Festivals

The 1960s was also an important period for independent animators. In 1960, Annecy, France hosted the first international animation festival. Initiated by ASIFA (International Animator’s Association), the aim of Annecy was to bring the art of animation (i.e., not your typical TV cartoons) to a wider audience. A Festival also provided an important social space so that international animators could attend and meet one another.

Since then animation festivals have sprouted up all over the world. In addition to Annecy, the oldest and most popular animation festivals are in Zagreb, Croatia (1972), Ottawa, Canada (1976), and Hiroshima, Japan (1984).

Golden Age, Take 2

Innovations in technology along with the massive success of The Simpsons (1989) triggered an explosion in the popularity of animation in the 1990s and the early part of the 21st century.

During this period:
  • Adult-orientated animation (Family Guy, South Park, Beavis and Butthead) became popular again;
  • Japanese anime, with its often complex adult themes developed a worldwide following thanks to films like Akira and Ghost in the Shell;
  • Feature animation films - once dominated by Disney - became increasingly popular thanks to the success of The Rugrats Movie, Space Jam, The Iron Giant, Antz, and a little company called Pixar (Toy Story, A Bug’s Life, Finding Nemo etc...);
Once the domain of Saturday morning, animation expanded all over the TV screen through commercials, music videos, ids and new shows. Soon, TV channels devoted entirely to animation were started in the U.S. (Cartoon Network) and Canada (Teletoon).

Capitalizing on this new success, animation schools were started all around the world, resulting in thousands of new animation films being made by individuals annually.

Computer Animation

Much of this new found success is the result of advancements made in animation technology.

Although Toy Story (1995) was the first computer animation feature film, animators were experimenting with computers as far back as the 1960s.

In 1969, Scientist Nestor Burtnyk of the National Research Council in Ottawa attended a conference on animation.  After hearing a Disney animator talk about how cartoons are made, Burtnyk thought that computers could make animation easier.

In 1971, Burtnyk and partner, Marceli Wein made the world’s first computer animation short, Metadata, with artist Peter Foldes and the National Film Board of Canada.

Three years later, the group created the ambitious 10-minute film, Hunger, which won awards around the world.

Just twenty years later, Canada set another computer animation first when Vancouver’s Mainframe Entertainment created the first all computer TV show, Reboot.

Animation is Everywhere

Gone are the days when animation was relegated to Saturday mornings or to quiet, almost empty art house cinemas. Today, every animation work you see on Television, the Internet or the cinema uses animation. In fact, animation has even infiltrated live-action cinema. Blockbuster films like Twister, Jurassic Park, Spider-Man and the new Star Wars trilogy would likely not have been made if not for animation.

Thanks to technology, you don’t even need a lot of money to make animation and you certainly don’t need a big studio. These days anyone can find affordable software programs and make the next Family Guy, Spongebob Squarepants, Wall-E, Wallace and Gromit or Felix The Cat, right in the comfort of their own bedroom.

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Key Moments in Canadian Animation
Animated Grouch Chasers is the debut release of New York-based Barré Studios. Opened by Montreal’s Raoul Barré, this is the first studio built specifically to produce cartoons.

British author A.A. Milne transformed a Canadian black bear from Winnipeg into the hero of beloved children’s book, Winnie the Pooh.  During the first World War, troops from Winnipeg were being transported to eastern Canada, on their way to Europe, where they were to join the 2nd Canadian Infantry Brigade. When the train stopped at White River, Ontario, a lieutenant called Harry Colebourn bought a small female black bear cub for $20 from a hunter. He named her 'Winnipeg', after his hometown of Winnipeg, or 'Winnie' for short. Unable to take Winnipeg along to the World War I front in France, he donated her to the London Zoo, where she quickly became a star attraction. Milne’s son, Christopher Robin, was so enamored with Winnipeg that his father created the character Winnie the Pooh.

Although there were early animators, the first known Canadian animation film was called Shadow Laughs. The film was made by Toronto’s Bryant Fryer using silhouette cutouts.

A character animator, Charlie Thorson, fell in love with Kristin Solvadottir, an Icelandic beauty who worked as a waitress at the Wevel Café. Thorson used to frequent the Café in 1934, shortly before he left Winnipeg for Walt Disney's studio. In December 21, 1937: Snow White and the Seven Dwarfs is released.  In a letter to Kristin, he claims that Snow White is modeled upon her.

John Grierson, the head of Canada’s new state film studio, the National Film Board of Canada (formed in 1939) invites fellow countryman, Norman McLaren to come to Ottawa to set up an animation division.

During the war, McLaren created a number of exciting and innovative animation shorts to help the war cause including the NFB’s first animation film, V is For Victory.  He also hired a roster of young Canadian artists including Rene Jodoin, George Dunning, and Grant Munro. Under McLaren’s charge, the animation of the NFB soon became known and loved worldwide.

Norman McLaren becomes the first Canadian animator to win an Academy Award®, when his film, Neighbours wins for Best Short Film.

Canadian animators have since been nominated more than 30 times for the best animation film. Most recently, Toronto’s Chris Landreth won an Oscar® for Ryan based on the life of Ryan Larkin, a Canadian animator who, thirty years ago, at the National Film Board of Canada, produced some of the most influential animated films of his time.

In 1969, Scientist Nestor Burtnyk of the National Research Council in Ottawa attended a conference on animation.  After hearing a Disney animator talk about how cartoons are made, Burtnyk thought that computers could make animation easier.

In 1971, Burtnyk and partner, Marceli Wein made the world’s first computer animation short, Metadata, with artist Peter Foldes and the National Film Board of Canada.

Three years later, the group created the ambitious 10-minute film, Hunger, which won awards around the world.

Just twenty years later, Canada set another computer animation first when Vancouver’s Mainframe Entertainment created the first all computer TV show, Reboot.

In 1997, Burtnyk and associate researcher Marceli Wein received an Academy Award® for their pioneer work in Canadian animation.

Two young film fans, Michael Hirsh and Patrick Loubert joined their animation friend, Clive Smith and created a film company called Nelvana. The trio created educational films and commercials before turning to animation. Today, Nelvana is the largest animation studio in Canada and one of the most respected in the world. Their staff has grown from the original three men to hundreds. Their award winning shows include George Shrinks, Rolie Polie Olie, and Jacob Two Two.

The doors open for the Ottawa International Animation Festival. Today, the OIAF is North America’s largest and most prestigious animation event. Each fall, thousands of animators and animation fans from around the world travel to Ottawa to see the world’s best animation and meet famous animators and studio representatives.

Canada’s first all-animation channel, Teletoon begins airing in September 1997. Teletoon has since developed 147 original animation shows including Atomic Betty, Totally Spies, Oliver’s Adventures, and Dragons.

On February 17, 2002, The Simpsons, which employs many Canadian animators and writers, visited Canada during the episode, The Bart Wants What It Wants. More than 4 million Canadians view the episode. The City of Toronto proclaims February 17, 2002, "Simpsons Day."

Famous Canadian Animators Abroad:
  • George Dunning, Director of full-length animated feature film, Yellow Submarine, 1968
  • John Kricfalusi, creator of Ren and Stimpy
  • Digital animation guru Stephen Williams worked on Jurassic Park and The Mask.
  • Richard Williams directed the animation for Who Framed Roger Rabbit.
  • Bob Walker co-directed Disney’s Brother Bear.
  • Dean DeBlois, co-director of Lilo and Stitch

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Glossary of Terms
2D Animation
The illusion of movement through the progression of consecutive images in a two-dimensional plane. The eye is tricked into perceiving motion by placing these image one after another at a rate of 24 frames per second or faster.

3D Animation
The creation of moving pictures in a three-dimensional digital environment. This is done by sequencing consecutive images, or "frames", that simulate motion by each image showing the next in a gradual progression of steps, filmed by a virtual "camera" and then output to video by a rendering engine.

Academy Award® / Oscar®
The Academy Awards (a.k.a. “The Oscars”) are the most prominent film awards in the United States. The awards are granted by the Academy of Motion Picture Arts and Sciences, a professional honorary organization which, as of 2003, had a voting membership of 5816. Academy Awards are nicknamed “Oscars” after the nickname of the statuette.

Adult-oriented animation

Animation that focuses on characters, storylines, humour, etc. that are directed specifically at an adult audience. Examples of this are Betty Boop, Family Guy, and Robot Chicken.

Animated Cartoon

A motion picture that is made from a series of drawings, computer graphics, or photographs of inanimate objects (such as puppets) and that simulates movement by slight progressive changes in each frame

Animation is the rapid display of a sequence of images of 2-D or 3-D artwork or model positions in order to create an illusion of movement. It is an optical illusion of motion due to the phenomenon of persistence of vision, and can be created and demonstrated in a number of ways. The most common method of presenting animation is as a motion picture or video program, although several other forms of presenting animation also exist.

A Japanese style of motion-picture animation, characterized by highly stylized, colourful art, futuristic settings, violence and sexuality.

Founded in 1960, Annecy is the oldest and largest animation film festival in the world. The festival is named after the host city, Annecy, located at the base of the Swiss Alps. It takes place over six days every year in June, and is host to students, filmmakers and animation professionals from around the world.

Association Internationale du Film d'Animation / International Animated Film Association. An international not-for-profit organization founded in 1960 in Annecy, France by the most well-known animation artists of the time, including NFB animator Norman McLaren. There are now more than 30 chapters of the association located around the world.

Background Painting
A background painting is a piece of detailed artwork rendered as the backdrop to a 2D animated scene. The background is placed below the animation.

A term commonly used to refer to an animated piece, whether online, on television, or in film - but it can also refer to a still image drawn in what is recognized as one of many standard animation art styles.

A cel is a transparent sheet of plastic upon which animation artwork is transferred in order to be painted in and then laid over a background and filmed.
The line art of each frame of animation is either inked or copied onto the front of the cel, and then paint is applied to the back. When the transparent cels are laid over the static backgrounds, they form a complete picture without having to redraw the same background for each frame of animation.

Short for "Computer-Generated Imagery"; refers to any artwork or animation created with computers. The term "CGI" can apply to both 2D and 3D renderings, but is most commonly used in reference to 3D.


Clean-up refers to the process of refining the rough artwork of 2D animation.  The purpose of clean-up is to recreate the animation with smooth, consistent line art and line weights before it is coloured.

Computer Animation
The creation of moving images through the use of computers. These images can be created in either a two-dimensional or three-dimensional space, and can be applied to web design, user interface design, application development, video games, movies, special effects, cartooning, and many others.

Feature film
In the film industry, a feature film is a film made for initial distribution in theaters and being the "main attraction" of the screening (as opposed to any short films which may be screened before it). The term is also used for feature length, direct-to-video and television movie productions.
The Academy of Motion Picture Arts and Sciences, the American Film Institute, and the British Film Institute all define a feature as a film with a running time of 40 minutes or longer. The Centre National de la Cinématographie in France defines it as a 35 mm film which is longer than 1,600 metres, which comes out to exactly 58 minutes and 29 seconds for sound films, and the Screen Actors Guild gives a minimum running time of 80 minutes. Today, a feature film is usually between 80 and 210 minutes; a children's film is usually between 60 and 120 minutes.

Flash Animation
A Flash animation or Flash cartoon is an animated film which is created using Adobe Flash or similar animation software and often distributed in the .swf file format. The term Flash animation not only refers to the file format but to a certain kind of movement and visual style which, in many circles, is seen as simplistic or unpolished.

A flipbook is a book with a series of pictures that vary gradually from one page to the next, so that when the pages are turned rapidly, the pictures appear to animate by simulating motion or some other change. Flip books are often illustrated books for children, but may also be geared towards adults and employ a series of photographs rather than drawings. Flip books are not always separate books, but may appear as an added feature in ordinary books or magazines, often in the page corners. Software packages and websites are also available that convert digital video files into custom-made flipbooks.

In animation, a "frame" is a single complete image out of the sequence of images comprising an animation. Taken alone, the frame is just a drawing - a piece of art. When sequenced with other drawings, it becomes an animation frame.

Key Frame
An animation key frame is a single still image in an animated sequence that occurs at an important point in that sequence; key frames are defined throughout an animated sequence, in order to define pivotal points of motion before the frames in between are drawn or otherwise created to "tween" the motion between the two key frames. One example of key frames could be an animation of a swinging baseball bat; the bat at rest would be one key frame, and the bat at the end of of its swing would be another. All other frames would be "tweened" frames.

Non-linear film
Defining nonlinear structure in film is, at times, difficult. Films may use extensive flashbacks or flashforwards within a linear storyline, while nonlinear films often contain linear sequences. Orson Welles' Citizen Kane (1941), influenced structurally by The Power and the Glory (1933), and Akira Kurosawa's Rashomon (1950) use a non-chronological flashback narrative that is often labeled nonlinear.
Experimentation with nonlinear structure in film dates back to the silent film era, including D.W. Griffith's Intolerance (1916) and Abel Gance's Napoléon (1927).

An animation overlay is a static object painted onto a cel to be laid on top of the cels containing the actual animation - meant to be part of the scenery, placed in the foreground of the scene to add further depth.

Persistence of Vision
The term refers to the phenomenon where the retina retains an image for a brief split-second after the image was actually seen, and lends itself to animation by fostering the illusion of motion when we view images in closely-timed sequence to one another. We don't notice the fractional skips between images because that persistence fills in the momentary gap to make the motion seem seamless.

A revolving disk on which figures drawn in different relative attitudes are seen successively, so as to produce the appearance of an object in actual motion, as an animal leaping, etc., in consequence of the persistence of the successive visual impressions of the retina. It is often arranged so that the figures may be projected upon a screen.
The phenakistoscope (also spelled phenakistiscope) was an early animation device, the predecessor of the zoetrope. It was invented in 1832 simultaneously by the Belgian Joseph Plateau and the Austrian Simon von Stampfer.

Rotoscoping is an animation technique in which live action video is traced to create animation that mimics the live action. The action is traced just to get the lines needed to capture the image, attempting to keep consistent linework from frame to frame while following the live action video's motion. The lines are then transferred to cels and painted as in normal traditional animation.

Short films
Short film is a technical description originally coined in the North American film industry in the early period of cinema. The description is now used almost interchangeably with short subject. Either term is often abbreviated to short (as a noun, e.g., "a short"). The term came to be applied in North America in the 1910s, when the majority of feature films began to be made in much longer-running editions. A typical film program came to be expected to include a feature preceded by one or more short subjects. Short subjects could be live action or animated. Animated cartoons came principally as short subjects.

Squash and Stretch
Squash and stretch refers to an animation technique used to depict exaggerated animated motion. The point of squash and stretch is to make the motions larger than life, rather than more swift, realistic, and sometimes unnoticed in passing observation. The reason it's called "squash and stretch" is because characters and objects are shown to "squash" (become distorted or flattened) when affected by weight or gravity, and "stretch" (become elongated) when affected by momentum or other forces, in ways that are (usually) impossible in reality. A key principle of squash and stretch, however, is the fact that the object/character animated retains the same volume/apparent mass; it's simply distorted into a different shape and/or configuration to give the impression of the forces acting on it.

State film studio
A film production studio that is operated as an agency of the government (e.g., National Film Board of Canada).

Stop-motion animation

Stop-motion (also known as stop-action or frame-by-frame) is an animation technique to make a physically manipulated object appear to move on its own. The object is moved in small increments between individually photographed frames, creating the illusion of movement when the series of frames is played as a continuous sequence. Clay figures are often used in stop-motion for their ease of repositioning. Stop-motion animation using clay is described as clay animation or claymation.

Traditional Animation
Traditional animation, also referred to as classical animation, cel animation, or hand-drawn animation, is the oldest and historically the most popular form of animation. In a traditionally-animated cartoon, each frame is drawn by hand. The term "traditional animation" is often used in contrast with the now more commonly used computer animation.

Tween is actually short for "in-between", and refers to the creation of successive frames of animation between key frames. In computer animation, the term is most commonly used for Flash's "shape tweening" and "motion tweening" processes, where the user can define two key frames and Flash will automatically create the in-between frames, either morphing one shape into another over a set period of time or else moving a shape or shapes from point A to point B over a set period of time. 3D animation programs also have their own method of "tweening".

Walk Cycle
In animation, a walk cycle is a sequence of frames representing a (usually human) walk movement. Walk cycles are important, because when a walking person appears in an animation, the walk cycle simply can be looped over and over, without having to animate each step again.

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There are some great sites to learn about animation:

The National Film Board of Canada's website gives you a history of this legendary institution as well as a round up of animation techniques and some famous animators.


Wikipedia gives a good rundown of animation techniques


This is a good little tututorial about some basic animation concepts:


If you want to be an animator, you should learn how to draw:

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Tout ce qu’il faut savoir sur l’animation

Une brève histoire de l’animation

Avant de commencer, voici deux petites choses importantes à savoir au sujet de l’animation :

1) L’animation/les dessins animés n’ont pas été exclusivement créés pour les enfants
2) Walt Disney n’est pas l’inventeur de l’animation

Maintenant que cela est dit, nous pouvons passer à la question de l’histoire de l’animation.

Qu’est-ce que l’animation?

Parlons simplement : le mot animation désigne l’état d’être en vie ou bien l’acte de donner vie à quelque chose. Plus précisément l’animation désigne le fait de créer l’illusion de mouvement par la manipulation d’une série d’images individuelles. Lorsque ces images sont reliées ensemble et projetées à une vitesse de 16 images par seconde, l’illusion d’un mouvement continu est créée.

La manière dont on donne vie à ces images est une autre question. L’animation peut être créée avec toute sorte de choses : des dessins, des découpages, du sable, des poupées, des tableaux noirs, des murs, de la peinture, des insectes, des bonbons, du thé, ou encore des ordinateurs.

Qui est l’inventeur de l’animation?

Il est difficile d’identifier une seule personne comme l’inventeur de l’animation. L’invention de l’animation est un effet un long processus qui s’étend sur plusieurs siècles et qui s’est fait d’une manière plus ou moins collaborative.
L’animation a commencé il y a très longtemps avec les hommes des cavernes ! Les peintures préhistoriques sont en effet les premiers exemples d’œuvres d’artistes cherchant à donner du mouvement à leurs dessins.

Les premiers dispositifs d’animation

Le phénakistiscope

Durant la deuxième moitié du 18e siècle, de nombreux dispositifs (lanterne magique, thaumatrope...) sont créés de façon à donner à des desins une illusion de mouvement. Un autre dispositif est encore aujourd’hui le logo du Festival International d’Animation d’Ottawa. Ce dispostif en forme de disque s’appelle un phénakistiscope. Inventé par le Belge Joseph Plateau, cette technique est la première forme d’animation. Le phénakistiscope est souvent perché sur un bâton. Les images sont dessinées tout autour du centre du cercle. Des incisions sont faîtes sur le bord de chaque dessin. Ensuite, quelqu’un est chargé de faire tourner le disque sur le bâton en face d’un miroir. Cet élan rend les images floues et donne une illusion de mouvement.

Le folioscope
Le folioscope est encore aujourd’hui la forme la plus connue et la plus populaire d’animation. Inventé à la fin des années 1880, le folioscope est un petit livre qui contient une série d’images séquencielles. Lorsqu’on feuillette ses pages rapidement, les dessins semblent bouger.

Les films d’animation
Le premier film d’animation s’intitule « Humorous phases of funny Faces » (Phases humoristiques de drôles de visages) et est réalisé par J. Stuart Blackton. Dans ce petit film très simpliste, deux visages dessinés sur un tableau noir prennent vie.

Certains considèrent le film d’Émile Cohl « Fantasmagorie » comme étant le vrai premier film d’animation. Utilisant l’idée du tableau noir de Blakton, le film de Cohl est très étrange et non-linéaire représentant de nombreuses transformations très bizarres.

Il existe encore d’autres importants pionniers de l’animation comme Winsor McCay , dont le film « Gertie le Dinosaure » réalisé en 1914 a été l’un des premiers films avec un personnage-héros.
On trouve également Otto Messmer qui est le créateur de la première star du dessin animé, « Félix le Chat », ou encore Ladislas Starevitch dont le film « La revanche du ciné-opérateur » a été non seulement le premier film d’animation en volume (animation image par image) mais aussi le premier à avoir un contenu pour adultes et à utiliser de vrais insectes (morts) comme personnages.

L’âge d’or du dessin-animé
La période entre les années 1930 et 1950 reste la période la plus populaire et la plus inspirante dans toute l’histoire de l’animation. Durant ce laps de temps, Walt Disney révolutionne le visage de l’animation en créant Mickey Mouse, Donald Duck et également des longs métrages d’animation.

Grâce au talent de Chuck Jones, Friz Freleng, Bob Clampett et les autres, Warner Bros marque et séduit le grand public par ses comédies hilarantes, surréalistes et mordantes qui mettent en scène un assortiment d’étranges personnages comme Bugs Bunny, Daffy Duck et Porky Pig.

Au même moment, les frères Max et Dave Fleischer sont en train de créer un dessin-animé encore plus surréaliste qui met en scène leurs personnages bien connus de Betty Boop et Koko le Clown.

 Et puis, à MGM, un ancien animateur de Warner Bros, Tex Avery, est en train de produire en une série de comédies absolument géniales qui, en comparaison, rendent les production de Warner Bros bien fades.
Tex Avery a ses caractéristiques : les yeux qui sortent de leurs orbites, les langues qui dégoulinent jusqu’aux pieds, des personnages affamés de sexe comme le Loup, Droopy, Casse-Noisette, et des scénarios complèment fous.

L’animation devient artistique
 Durant les années 1940 deux nouveaux importants courants apparaissent dans l’animation grâce à UPA (United Productions of America) et Norman McLaren. En 1939, le gouvernement Canadien fonde l’Office National du Film du Canada, un studio de films national canadien. En 1942, l’Office National du Fil m du Canada fonde un département d’animation sous la direction de l‘artiste d’origine écossaise Norman McLaren.
 Sur les conseils de Norman McLaren, le département d’animation de l’Office National du Film du Canada se développe et alors qu’il semblait encore très loin des dessins-animés d’Hollywood, il acquiert rapidement une renommée internationale notamment avec le premier Oscar Canadien pour le film d‘animation de Norman McLaren « Neighbours » (Les voisins) en 1952 qui met le Canada en évidence sur la carte internationale de l’animation.

Bandes animées à la télévision
 Puisque l’animation est un long processus très couteux, la télévision a été très lente à produire ses propres dessins-animés. Alors que des films de Warner Bros pouvaient mettre plusieurs mois à être réalisés, la télévision avaient besoin de séries de 10 à 20 épisodes d’une demi-heure.
En utilisant l’approche et les techniques minimalistes de l’UPA, les producteurs d’animation ont appris rapidement à gagner du temps et de l’argent en concevant plusieurs petites étapes dans le processus de production. Résultat : c’est l’apparition d’un flot de dessins-animés à petit budget. Alors que UPA (Dick Tracy) et Jay Ward (The Rocky and Bullwinckle Show) ont un petit succès télévisuel, c’est surtout le studio Hanna Barbara qui arrive comme personne d’autre à maitriser l’art de l’animation à petit budget.
Débutant avec « les Pierrafeu » (1966), Hanna Barbara crée les émissions de télévision les plus populaires et les plus suivies telles que « Les Jetson », « Johnny Bravo » ou encore « Scooby-Doo ».

Festivals d’animation
Les années 1960 sont une période importante pour les animateurs indépendants. En 1960, à Annecy, la France accueille le premier festival international d’animation. À l’initiative de l’ASIFICA (Association Internationale des Animateurs), le but du Festival d’Annecy est d’apporter à l’art de l’animation un public plus large. Le festival fournit aussi un grand espace de sociabilité afin que des animateurs du monde entier puissent se rencontrer et échanger.
Depuis Annecy, d’autres festivals d’animation ont fleuri partout dans le monde. Les plus anciens, après le Festival d’Annecy, sont ceux de Zagreb en Croatie (1972), d’Ottawa au Canada (1976) et d’Hiroshima au Japon (1984).

Le deuxième âge d’or de l’animation
Les innovations dans le domaine des nouvelles technologies et le succès des « Simpsons » (1989) déclenchent une explosion de la popularité de l’animation dans les années 1990 et au début du 21e siècle.

Durant cette période :
- les dessins-animés pour adultes comme « Les Griffin », « South Park », « Beavis and Butt-Head » redeviennent populaires.
- le phénomène japonais « anime » séduit le monde entier avec sa complexité et ses thèmes d’adultes, notamment grâce aux films tels que « Akira » ou encore « Ghost in the Shell ».
- les longs métrages d’animation, catégorie dans laquelle Disney a longtemps excellé, deviennent de plus en plus populaires grâce aux succès de films tels que « Les Razmoket, le film », « Space Jam », « Le Géant de fer », « Fourmiz » et grâce à un petit studio, Pixar, qui produit des films comme « Toy Story », « 1001 Pattes », « Le Monde de Némo », etc.

Profitant de ce nouveau succès, des écoles d’animation s’ouvrent dans le monde entier donnant naissance à des milliers de nouveaux films d’animation réalisés chaque année par de jeunes amnimateurs indépendants.

L’animation assitée par ordinateur

Ce grand et nouveau succès est en grande partie dû aux multiples avancées dans les technologies de l’animation. Bien que « Toy Story » (1995) soit le premier long-métrage d’animation réalisé par ordinateurs, les animateurs travaillent avec l’outil informatique depuis les années 1960.
En 1969, le scientifique Nestor Burtnyk du Conseil national de recherches d’Ottawa au Canada, assiste à une conférence sur l’animation. En entendant un animateur de chez Disney expliquer comment les films d’animation sont réalisés, Burtnyk se dit que les ordinateurs pourraient rendre l’animation bien plus facile.
En 1971, Burtnyk et son collègue Marceli Wein réalisent le premier court métrage d’animation entièrement réalisé sur ordinateur, « Metadata » en collaboration avec l’artiste Peter Foldes et l’Office N ational du Film du Canada.

Trois ans plus tard, le groupe créé l’amibieux projet d’un film de 10 minutes, « La faim », qui remportera de nombreuses récompenses dans le monde entier. Tout juste 20 ans après, le Canada produit de nouveau de l’animation assistée par ordinateurs lorsque le Vancouver’s Mainframe Entertainment créé la toute première série télévisée réalisée par informatique : ReBoot.

L’animation est partout
Il est loin le temps où l’animation était reléguée aux programmes du samedi matin à la télévision, ou à des salles de cinéma presque vides! Aujourd’hui, l’animation est partout. Tous les programmes que vous voyez au cinema, sur internet ou bien à la télévision utilisent des techniques d’animation, En effet, l’animation a même envahi le cinéma d’action : les films comme “Twister”, Spider-Man”, “Jurassic Park”, ou encore la nouvelle trilogie de “La guerre des étoiles” n’auraient pas pu être réalisés sans l’animation.

Grâce aux progrès de la technologie, vous n’avez plus besoin de beaucoup d’argent ni d’un studio de cinéma pour produire un film d’animation. Aujourd’hui, il est facile de se procurer des logiciels abordables et de créer les prochains “Wallace et Gromit”, “Wall-E”, “Bob l’éponge” ou encore “Félix le Chat” en direct de son lit dans sa chambre à coucher.

Moments clés de l’animation au Canada

1915 : « The Animated Grouch Chasers » est la première sortie des studios Barré situés à New-York, fondés par le Montréalais Raoul Barré. Il s’agit du premier studio créé spécialement pour réaliser des dessins animés.

1926 : L’auteur britannique A.A Milne transforme un ours noir canadien de Winnipeg en véritable héros de la littérature pour enfants, « Winnie l’Ourson ». Durant la première guerre mondiale, des troupes de Winnipeg sont transportées vers l’Est du Canada lors de leur long voyage vers l’Europe afin de rejoindre la seconde Brigade d’Infanterie Canadienne. Lorsque le train s’arrête en gare de White River dans l’Ontario, un lieutenant portant le nom de Harry Colebourn, achète une petite oursonne noire à un chasseur pour 20$. Il la prénomme « Winnipeg » comme le nom de a ville, ou « Winnie » pour faire plus court. Comme il lui est impossible de garder l’oursonne sur le front en France durant la guerre, il la donne au zoo de Londres où elle devient rapidement une vraie star. Le fils de l’écrivain Milne, Christopher Robin, devint tellement enchanté par la petite oursonne Winnipeg que son père inventa le personnage mythique de « Winnie l’Ourson ».

1927 : Bien qu’il y eut des animateurs avant 1927, c’est cette année-ci que sort le premier film d’animation canadien intitulé : « Shadows of Laughs ». Il est réalisé par Bryant Fryer de Toronto qui y utilise des silhouettes découpées.

1937 : L’animateur Charlie Thorson tombe amoureux d’une belle Islandaise qui travaille comme serveuse au Wevel Café. Thorson avait l’habitude de fréquenter ce café en 1934 peu de temps avant de quitter Winnipeg pour rejoindre les studios Disney. Le 21 décembre 1937, le film « Blanche-Neige et les septs nains » sort au cinéma. Dans une lettre à Kristin, Charlie Thorson affirme qu’il s’est inspiré d’elle pour créer le personnage de Blanche-Neige.

1941 : John Grierson, le Directeur du studio d’État, l’Office National du Film du Canada, invite son compatriote Norman McLaren à venir à Ottawa pour fonder un département d’animation. Pendant la première guerre mondiale, McLaren crée un grand nombre de courts métrages d’animation innovants pour aider la cause de la guerre comme par exemple le dessin-animé is for Victory » ( le V est pour la Victoire). Il engage également une liste de jeunes artistes canadiens dont René Jodoin, George Dunning, et Grant Munro. Sous la direction de Norman McLaren, le département d’animation de l’Office National du Film du Canada devient rapidement connu et reconnu partout dans le monde.

1952 : Norman McLaren est le premier animateur canadien à recevoir un Academy Award® lorsque son film « Voisins » remporte le prix du meilleur court-métrage. Depuis, les animateurs canadiens ont été nominés plus de 30 fois dans la catégorie du meilleur film d’animation. Très récemment, Chris Landreth de Toronto a remporté un Oscar® pour son film “Ryan” inspiré de la vie de Ryan Larkin, animateur canadien qui a produit il y a trente ans pour l’Office National du Film du Canada, les films d’animation les plus influents de son époque.

1969-1974 : En 1969, le scientifique Nestor Burtnyk du Conseil national de recherches d’Ottawa au Canada, assiste à une conférence sur l’animation. En entendant un animateur de chez Disney expliquer comment les films d’animation sont réalisés, Burtnyk se dit que les ordinateurs pourraient rendre l’animation bien plus facile. En 1971, Burtnyk et son associé Marceli Wein réalisent le premier court métrage d’animation entièrement réalisés sur ordinateur, « Metadata » en collaboration avec l’artiste Peter Foldes et l’Office national du Film du Canada. Trois ans plus tard, le groupe créé l’amibieux projet d’un film de 10 minutes, « La faim », qui remportera de nombreuses récompenses dans le monde entier. Tout juste 20 ans après, le Canada produit de nouveau de l’animation assistée par ordinateurs lorsque le Vancouver’s Mainframe Entertainment créé la toute première série télévisée réalisée par informatique : ReBoot. En 1997, Burtny et son associé Marceli Wein reçoivent un Academy Award® pour leur travail précurseur dans le champ de l’animation canadienne.

1971 : Deux jeunes cinéphiles Michael Hirsh et Patrick Loubert rejoignent leur ami animateur Clive Smith et créent une compagnie du nom de Nelvana. Le trio commença par produire des publicités et des films éducatifs avant de se lancer dans l’animation. Aujourd’hui, Nelvana est le plus grand studio d’animation et le plus reconnu sur le plan international. Son équipe a grandi depuis les trois fondateurs des débuts pour faire travailler aujourd’hui jusqu’à une centaine de personnes. Ils ont reçu des récompenses pour notamment : « Georges rétrécit », « Rolie Polie Olie » ou encore « Jacob TwoTwo ».

1976 : 1ère édition du Festival d’animation d’Ottawa. Aujourd’hhui, le Festival International d’Animation d’Ottawa est le plus grand et le plus prestigieux en Amérique du Nord. Chaque automne, des milliers d’animateurs et de fans d’animation du monde entier se retrouvent à Ottawa pour y voir les meilleurs films et rencontrer de grands réalisateurs ainsi que les représentants de nombreux studios.

1997 : La première chaîne d’animation canadienne est créée : Teletoon commence à émettre dès septembre 1997. Depuis, Teletoon a développé 147 émissions d’animation dont « Atomic Betty », « Espionnes de choc ! », « Les aventures d’Olliver » ou encore « Dragons ».

2002 : Le 17 février 2002, Les Simpsons, série qui emploie de nombreux animateurs canadiens visitent le Canada le temps d’un épisode (« The Bart Wants What It Wants » ou « La Passion selon Bart » en France et « Le Bart a ses raisons » au Québec). Plus de 4 millions de Canadiens regardent cet épidode, et la Ville de Toronto proclame le jour du 17 février comme étant le « Jour des Simpsons » !

Animateurs canadiens connus à l’étranger :

• George Dunning, réalisateur du long métrage d’animation, Yellow Submarine, 1968
• John Kricfalusi, créateur de Ren et Stimpy • Le gourou de l’animation numérique Stephen Williams qui a travaillé sur Jurassic Park et The Mask.
• Richard Williams, réalisateur de l’animation du film Qui veut la peau de Roger Rabbit?
• Bob Walker, co-réalisateur du film de Disney Frère des Ours.
• Dean DeBlois, co-réalisateur du film Lilo et Stitch


Academy Award® / Oscar® : Les Academy Award (aussi connus sous le nom d’Oscar) sont la récompense la plus prestigieuse aux États-Unis. Les Award sont attribués par l’ Académie des Arts et des Sciences du Cinéma, une organisation professionelle honorifique qui avait en 2003 5816 membres pouvant voter. On appelle plus couramment les Academy Award « les Oscars » car il s’agit du nom de la statuette.

Animation : L’animation est l’affichage rapide d’une séquence d’images en 2 ou 3 dimensions dans le but de créer une illusion de mouvement. C’est une illusion d’optique dûe à un phénomène de persistance rétinienne. La forme d’animation la plus connue est le film d’animation ou le programme vidéo, même s’il en existe encore bien d’autres.

Animation 2D :
Illusion du mouvement par la progression d’images consécutives sur un plan bi-dimensionnel. En projetant ces images les unes après les autres à une vitesse de 24 images par seconde, l’oeil est persuadé de voir du mouvement.

Animation 3D : Création d’images en mouvement dans un environnement en 3 dimensions. Pour cela, des séquences d’images consécutives sont créées. Cela simule le mouvement car à chaque image, on aperçoit déjà l’image suivante de façon progessive. Le tout est filmé par une « caméra » virtuelle et on obtient ensuite un rendu vidéo.

Animation assistée par ordinateur : Animation réalisée à l’aide de l’outil informatique. Ce terme désigne indifféremment une image créée en 2D ou en 3D et s’applique à différents supports : films, dessins animés, jeux vidéos, web design, etc.

Animation Flash : Ce terme désigne une animation réalisée grâce au logiciel de la Suite Adobe Flash ou équivalent qui produit des documents au format .swf. Le terme Flash réfère aussi à un certain type de mouvement et de style visuel.

Animation image par image (ou animation en volume) : C’est une technique d'animation permettant de créer un mouvement à partir d'objets immobiles. Le concept est proche de celui du dessin animé : une scène (en général constituée d'objets) est filmée à l'aide d'une caméra capable de ne prendre qu'une seule image à la fois (c'est une photographie sur pellicule de film). Entre chaque image, les objets de la scène sont légèrement déplacés. Lorsque le film est projeté à une vitesse normale, la scène semble animée.

Animation traditionnelle : L’animation traditionnelle désigne l’animation classique ou animation réalisée à la main qui est la forme la plus ancienne et la plus populaire d’animation. Dans l’animation traditionnelle, chaque photogramme est dessiné à la main. Cette expression est souvent utilisée pour marquer un contraste avec la nouvelle forme d’animation assistée par ordinateur.

Anime : C’est un style de film d’animation japonais caractérisé par un cadre futuriste, un environnement très coloré et très stylisé, de la violence et de la sexualité.

Annecy :
Fondé en 1960, Annecy est le plus ancien Festival d’animation du monde. Il tient son nom de la ville qui l’accueille chaque année, Annecy, et qui se situe tout près des Alpes suisses. Le Festival d’Annecy a lieu durant plus de 6 jours au mois de juin et accueille des étudiants, des réalisateurs et des professionnels de l’animation.

ASIFA : Association Internationale du Film d'Animation / International Animated Film Association. C’est une association à but non lucratif créée à Annecy en France en 1960 par les plus grands artistes de l’animation de l’époque dont le Directeur de l’animatin de l’Office National du Film du Canada, Norman McLaren. Aujourd’hui, l’ASFA a plus de 30 branches partout dans le monde.

Peinture d’arrière-plan :
C’est un morceau d’illustration utilisé comme toile de fond d’une scène d’animation en 2 dimensions. L’arrière-plan est placé en dessous de l’animation.

Cartoon : Cet mot désigne un dessin-animé, qu’il soit sur internet, dans un film, ou à la télévision mais il peut également faire référence à une image fixe à-travers laquelle on reconnaît un des plusieurs styles de standards de l’animation.

Celuloïd : C’est une feuille plastique transparente d'acétate de cellulose sur laquelle on peint à la main les différents éléments d'un dessin animé. Grâce à la transparence de ces feuilles, on peut superposer plusieurs cellulos et créer des scènes complexes sans tout redessiner à chaque fois.

CGI : « Computer Generated Imagerie » fait référence à tout dessin ou animation réalisée par ordinateur. Ce terme peut désigner indifféremment les rendus 2D ou 3D mais il désigne le plus souvent de la 3D.

Nettoyage « clean-up » :
Cela désigne le processus de redéfinition d’un brouillon d’illustration d’animation en 2D. Le but de ce processus est de recréer le dessin (line art) de l’animation d’une façon lisse, propre et régulière avant de lui apporter de la couleur.

Court métrage : La notion de court métrage a été inventée par l’industrie du cinéma américain dans les années 1910 à l’époque où la majorité des films commençait à durer plus longtemps. Une séance de cinéma type contenait souvent un court métrage avant un long métrage. Les courts métrages peuvent être d‘animation ou non. Les dessins animés adoptent souvent la forme du court métrage.

Cycle de marche :
En animation, un cycle de marche est une séquence de photogrammes qui représentent un mouvement de marche. Les cycles de marche sont très importants car lorsqu’un personnage qui marche apparaît en animation, le cycle de marche peut tout simplement être répété encore et encore sans que l’on ait à redessiner chaque pas, caque mouvement.

Dessin animé : C’est une image en mouvement qui est réalisée par une série de dessins, de dessins faits par ordinateurs, de photographies d’objets inanimés (comme des poupées par exemple), et qui simule un mouvement grâce à un léger changement progressif dans chaque cadre.

Film non-linéaire : La définition d’un film non-linéaire n’est pas toujours simple. Les films utilisent parfois des flashbacks ou des flashforwards à l’intérieur d’un scénario linéaire alors que les films non-linéaires contiennent souvent des séquences linéaires. Citizen Kane (1941) d’Orson Welles a été influencé structurellement par Le Pouvoir et la Gloire (1933), et Roshomon (1950) d’Akira Kurosawa utilise un flashback narratif non chronologique, souvent considéré comme non-linéaire. Les expériences avec des structures non-linéaires remontent au temps du cinéma muet comme par exemple le film Intolérance de D.W. Griffith ou le film Napoléon de Abel Gance.

Folioscope : Inventé à la fin des années 1880, le folioscope est un petit libre qui contient une série d’images séquencielles. Lorsqu’on feuillette ses pages rapidement, les dessins semblent bouger. Les folioscopes sont souvent des livres avec es illustrations pour enfants mais peuvent aussi être pour adultes avec, par exemple, des photographies plutôt que des dessins.

Long métrage :
Dans l’industrie du cinéma, un long métrage est un film produit pour être distribué dans les salles de cinéma en tant que « projection principale » (à la différence des courts métrages par exemple qui sont peu distribués en salles de cinéma ou alors en première partie d’un long métrage). L’Académie des Arts et des Sciences du Cinéma, l’Office National du Film Américain et l’Office National du Film Britannique définissent le long métrage comme un film qui dure 40 minutes ou plus. Le Centre National de la Cinématographie en France le définit comme un film sur pellicule 35 mm et mesurant au moins 1600 mètres, ce qui représente une durée de très exactement 58 minutes et 29 secondes pour les films avec du son, et le Screen Actors Guild lui donne une durée minimale de 80 minutes. Aujourd’hui, un long métrage dure le plus souvent entre 80 et 210 minutes ; un long métrage pour enfants entre 60 et 120 minutes.

Peinture d’arrière-plan :
C’est un morceau d’illustration utilisé comme toile de fond d’une scène d’animation en 2 dimensions. L’arrière-plan est placé en dessous de l’animation.

Phénakistiscope : Inventé par le Belge Joseph Plateau, cette technique est la première forme d’animation. Le phénakistiscope est souvent perché sur un bâton. Les images sont dessinées tout autour du centre du cercle. Des incisions sont faîtes sur le bord de chaque dessin. Ensuite, quelqu’un est chargé de faire tourner le disque sur le bâton en face d’un miroir. Cet élan rend les images floues et donne une illusion de mouvement.

Photogramme « frame » :
il s’agit d’une image individuelle complète en dehors d’une séquence d’images et comprenant une animation. Lorsqu’on l’envisage seul, le photogramme est un simple dessin. Mais quand on le lie à d’autres séquences d’images, il devient un photogramme d’animation.

Photogramme-clé : Un photogramme-clé d’animation est une image fixe d’une séquence animée qui apparaît à un moment important de la séquence. Les photogrammes-clés sont définis dans toute la séquence afin de poser des points-clés du mouvement avant que les photogrammes d’entre-deux soient dessinés ou réalisés. Un exemple concert de photogramme-clé? Prenons par exemple l’animation d’un joueur de baseball : le premier photogramme lorsque le joueur a la batte en bas est en photogramme-clé. Le dernier photogramme lorsque le joueur a la batte en haut est également un photogramme-clé. Tous les photogrammes entre ces deux photogrammes clé sont des photogrammes « d’entre deux ».

Rotoscopie : La rotoscopie est une technique cinématographique qui consiste à relever image par image les contours d'une figure filmée en prise de vue réelle pour en transcrire la forme et les actions dans un film d'animation. Ce procédé permet de reproduire avec réalisme la dynamique des mouvements des sujets filmés.

« Squash and Stretch » (Écraser et Étirer) :
Il s’agit d’une technique d’animation utilisée pour représenter un mouvement animé exagéré. L’idée est de représenter des mouvements plus grands que dans la réalité. On appelle cette technique « Écraser et Étirer » parce que les personages et les objets sont aplatis, comme s’ils étaient affectés par une force de gravité, et étirés comme s’ils étaient affectés par une impulsion ou une autre force. Tous ces changements sont réalisés d’une certaine manière qui serait impossible dans la réalité. Un des pricipes clé de cette technique est le fait que les objets et les personnages animés conservent leurs proportions. Ils sont simplement distordus dans une autre forme afin de donner l’impression que des forces extérieures agissent sur eux.

Studio de film national : C’est un studio qui est géré comme un service du gouvernement. L’Office National du Film du Canada est un exemple de studio de film national, géré par l’État canadien.

Tweening : Le terme tweening (ou interpolation) désigne un procédé qui permet de générer des images intermédiaires successives de telle sorte qu'une image s'enchaîne agréablement et de façon fluide avec la suivante.

Liens pour en apprendre encore plus sur l’animation

- Le site de l’Office National du Film du Canada vous donne un bel aperçu de l’histoire de l’animation et de ses techniques ainsi que des biographies des animateurs les plus reconnus :


- Wikipedia propose un article très fourni sur le cinéma d’animation :


Traduction par Céline Métel
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