Films & Screenings

2021 Official Competition

This year the Ottawa International Animation Festival received a total of 2528 entries from 104 different countries. Of those, 107 short films, including Animated Series, and 7 feature films were chosen for competition. There are 5 projects in the running for Best Virtual Reality (VR).

In addition, 23 films were selected in the Canadian Student Competition and 48 panorama films were chosen to represent the efforts of the Canadian, international, and student communities.




The Official Competition section consists of works selected by the festival programming team led by Chris Robinson and Keltie Duncan.

During the festival, three official juries will judge the Short, Feature and Young Audience’s competition screenings. The Short and Feature jury members are chosen from the international animation community. The Young Audience jury is composed of children from across North America.

On Friday, October 1st at 7:00 pm, the Jury will announce the award-winning films during the OIAF’s online Awards Ceremony

A Best of Ottawa 2021 screening (a selection of the Festival’s award-winning films) will be offered on demand on October 2nd and 3rd.

The OIAF awards are designed by local artist Tick Tock Tom, with an animation originally created by New York animator George Griffin.

OIAF 21 Awards

Grand Prize for Short Animation
Grand Prize for Feature Animation

Category Awards

Narrative Short
Bento Box Award for Best Student Animation
Virtual Reality Project
Animated Series
Young Audiences – Preschool
Young Audiences – Ages 6-12

Craft Awards:

Animation Technique

Other Awards:

Public Prize
Awarded to the best film of the short competition as selected by the audience.

Canadian Film Institute Award for Best Canadian Animation Film
Awarded to the most outstanding Canadian production in competition and Canadian showcase screenings.

Vimeo Staff Pick Award
Awarded by the Vimeo Staff Pick team, the winner receives a prize of $2500(USD) along with a Vimeo Staff Pick. The winning film will be released worldwide for free on Vimeo on Sunday, October 3rd.

Best Canadian Student Animation Film
Awarded to the most outstanding Canadian student animation work


La sélection officielle du Festival international d’animation d’Ottawa se compose d’œuvres choisies par l’équipe de programmation, menée par Chris Robinson et Keltie Duncan.

Pendant le festival, trois jurys officiels jugent les courts-métrages, longs-métrages et films pour enfants en compétition. Les membres des jurys des courts et longs-métrages sont choisis parmi la communauté internationale de l’animation. Les jurys des films jeune public sont, eux, des enfants sélectionnés dans la région d’amérique du Nord.

Le vendredi 1 octobre, à 19 h 00, le jury annoncera les films primés lors de la cérémonie de remise qui sera diffusé en ligne.

La sélection des meilleurs films du festival d’Ottawa de 2021 sera disponible par vidéo sur demande le samedi 2 octobre et le dimanche 3 octobre.

Les prix et récompenses de OIAF

Les trophées

Les trophées ont été conçus par l’artiste local Tick Tock Tom, à partir d’une animation originale de l’animateur new-yorkais George Griffin.

Prix de OIAF 2021

Grand Prix pour le meilleur court-métrage
Grand Prix pour le meilleur long-métrage

Prix par catégories

court-métrage narratif
court-métrage expérimental
Le Prix Bento Box pour le meilleur court-métrage d’étudiant
film de commande
séries d’animation
réalité virtuelle
Jeune public – Tous petits
Jeune public – 6 à 12 ans


Récompenses ​​techniques:

Conception graphique
Techniques d’animation

Autres prix:

Prix ​​du Public
Décerné par le public au meilleur court-métrage en compétition

Prix de l’Institut canadien pour le meilleur film d’animation canadien
Décerné à la production canadienne la plus remarquable parmi les films en compétition et hors-compétition.

Prix du choix des employés de Vimeo
Décerné par l’équipe du choix des employés de Vimeo. Le gagnant recevra un prix de 2500 $ (USD) ainsi qu’un prix du choix des employés de Vimeo. Le film gagnant sera lancé mondialement et sans frais sur Vimeo le dimanche 3 octobre.

Prix pour le meilleur film d’animation d’un étudiant canadien
Décerné au travail le plus remarquable d’un étudiant canadien

Short Film Competition Screenings

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Be sure to join us in Camp OIAF (passholders only) at 6pm EDT to hang out with filmmakers and animation fans alike before each Short Competition Live Gala, and stick around for the live Q&A with the competition filmmakers after the screening (you can ask your Qs in the chat!)

All films in competition are eligible for the Public Prize. Remember to cast your vote within 24 hours of the live gala screening!

Screening Name

Screening Type | Venue | Date | Time

Original Title (English Title) | Runtime | Director | Country | Company or School | Category

Film Title

Directors • Runtime • Year • Countries • Category

Synopsis: Film Synopsis goes here.

Director Name

Aenean lacinia bibendum nulla

Director bio goes here

Film Title

Directors • Runtime • Year • Countries • Category

Synopsis: Film Synopsis goes here.


dir1 Director 1 Name

Director 1 Bio




Director 2 Name
Director 2 Bio

Feature Film Competition Screenings

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Film Title

Directors • Runtime • Year • Countries • Category

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Full Synopsis

Long Synopsis text

Director Name

Aenean lacinia bibendum nulla

Director bio goes here.

The Best of the Best!

OIAF 2021 Awards Ceremony

Friday, October 1, 7:00pm
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The moment you’ve been waiting for! Who will take home the top prizes at OIAF21? Join co-hosts Joel Frenzer and Chris Robinson as they partake in plenty of mischief that may or may not feature guest appearances from animation’s past.

Then we move on to what really matters when our juries announce this year’s winners from the OIAF21 competition selections. And as always, we’ll have our adorably unharnessed kid’s juries on hand to spice things up.

Best of Ottawa 2021

October 2 – October 3

Been hearing about those absolute must-see films all festival? Check out the Best of Ottawa Parts 1 & 2 – two programmes that showcase audience favourites and winners from the OIAF 2021 Official Competition.

2021 Panorama Screenings

Behold the films of the 2021 Canadian, World and World Student Panoramas!

Panorama Screenings

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RISD’s track record and alumni is astonishing. Not only have they produced acclaimed indie artists like Fran Krause, Caleb Wood, Jesse Schmal, Leah Shore, Michael Langan, Max Porter, Emily Pelstring, Julie Zammarchi, Candy Kugel, Willy Hartland, the late Karen Aqua and many others.  They also gave us the creators of Superjail (Christy Karacas), The Last Airbender (Michael Dante Dimartino) and Family Guy (Seth MacFarlane).  There’s also well known media artists like Takeshi Murata and Ara Peterson. One graduate even went on to become an artisanal cheese maker. That’s just a few names. RISD films are consistently thoughtful and technically adventurous. Even their failures are frequently bolder than the best films from many schools. This three part screening will celebrate over 40 years of innovative, groundbreaking student work from one of the finest animation schools in the world.


Le bilan de la RISD et ses diplômés est ahurissant. Non seulement cette école de design a-t-elle produit des artistes indépendants de renommée comme Fran Krause, Caleb Wood, Jesse Schmal, Leah Shore, Michael Langan, Max Porter, Emily Pelstring, Julie Zammarchi, Candy Kugel, Willy Hartland, la défunte Karen Aqua et plusieurs autres; elle nous a aussi donné les créateurs de Superjail! (Christy Karacas), The Last Airbender (Michael Dante DiMartino) et Family Guy (Seth MacFarlane). On y compte aussi des artistes des médias bien connus, comme Takeshi Murata et Ara Peterson. Un de ses diplômés est même devenu un fromager artisanal. Il ne s’agit ici que de quelques noms. Les films de la RISD sont toujours réfléchis et aventureux sur le plan technique. Même leurs échecs sont souvent plus audacieux que les meilleurs films de nombreuses autres écoles. Cette projection en trois parties célébrera 40 ans d’œuvres étudiantes innovatrices et révolutionnaires de l’une des meilleures écoles d’animation au monde.

See the film list

RISD Programme 1

Portrait of a Woman with Tomatoes Zammarchi, Julie 1982 0:02:49
Atlas Gets a Drink Overbeck, Mike 1999 0:03:30
Little Wild Wood, Caleb 2010  
Lotus Lantern Shen, Xingpei 2017 0:06:30
Ingrid’s Song Newton, Pilar 1993 0:03:29
Carnal Ground Sousa, Dan 1994 0:04:21
Toto’s Tusks Chatterjee, Mehr 2015 0:02:53
Brisket Frenzer, Joel 2000 0:09:20
Passenger Okokon, Africanus 2011 0:04:00
Mangia Sofian, Sheila 1985 0:05:26
Roundabout Gavrich, Noah 2018 0:06:57
When You Touch Me Yamamoto, Masashi 2016 0:02:35
Terra Firma Wiggin, Ted 2010 5:21:00
Violet Ines, Ryan 2015 0:05:56


RISD Programme 2

Life of Larry McFarlane, Seth 1995 0:10:19
Edgeways Gibson, Sandra 2001 0:04:20
Mimi Hsueh, Jeffrey 2017 0:02:18
Penetralia Aqua, Karen 1976 0:04:18
On the Weave of Construction Buyalos, Greg 1993 0:05:52
Red Things Porter, Max 2003 0:09:50
Balance and Swing Beal, Anne 2012 0:03:20
Made in the Shade Murata, Takeshi 1997 0:03:15
The Ant Who Loved a Girl Gentile, Steve 1988 0:06:07
Strange Wonderful Swart, Stephanie 2013 0:04:13
Heavy as a Hill Neilson, Emily 2015 0:04:51
The Box Durst, Joshua 2012 0:01:07
Ripple Griffith, Connor 2015 0:03:11
Sub Schmal, Jesse 2000 0:08:47


RISD Programme 3

Mr. Smile Krause, Fran 1999 0:08:19
Two Parts Premo, Mac 1995 0:05:28
The Divide Sievers, Brent 2014 0:03:51
12 Ball Peterson, Ara 1997 0:04:14
Adam Ross, Evelyn 2016 0:02:27
Doxology Langan, Michael 2007 0:06:10
Talking Cure DiPoi, Felipe 2016 0:04:22
Uuuuuu Delafuente, David 2015 0:04:00
The Journey of Bangwell Putt Frey, Margaret 1988 0:04:44
Toro Kim, Lynn 2014 0:03:30
The Viscera Hartland, Willy 1984 0:09:24
Our Son Ko, Eric 2013 0:04:30
Space War Karacas, Christy 1997 0:03:09
We Are Alone Minchello, Matthew 2020 0:05:05
Lesley the Pony has an A+ Day Larrave, Christian 2014 0:04:08

“Let me go back to the start again,” sings a voice in Mariusz Wilczynski’s hand-drawn animated feature, and OIAF20 Grand Prize winner, Kill it and Leave This Town.

Imagine if you could have your family, loved ones, assorted heroes, and idols all come together and reside snuggly within the comfort of your memories, no matter how fictionalized or misremembered (as Paul Auster once wrote, “memory is a story told a second time”).

Themes of nostalgia, loss, and mortality run throughout Wilcynski’s body of work.  Before Kill it, he made several short films (Times Have Passed, For My Mother and Me, Unfortunately, Kizi Mizi, and music videos (Allegro ma non tropp, Death to Five), all of them carrying themes and elements that are later found in Kill it and Leave This Town. The past, in particular, appears to carry great weight in Wilcynski’s films to the point where you wonder if it’s a case of struggling to let go of the past or whether diving into it, it better informs our next steps.


« Laissez-moi revenir au début, » chante une voix dans le long métrage animé dessiné à la main de Mariusz Wilczynski, Kill it and Leave This Town, lequel a remporté le premier prix du OIAF20.

Imaginez si vous pouviez rassembler votre famille, vos êtres chers, vos quelques héros et idoles, et qu’ils vivraient tout douillet dans le confort de vos souvenirs, quelques fictifs ou mal souvenus qu’ils soient (comme l’a déjà écrit Paul Auster, « un souvenir est une histoire racontée une deuxième fois »).

Les thèmes de la nostalgie, de la perte et de la mortalité se retrouvent à travers les œuvres de Wilcynski. Avant Kill it, il a fait plusieurs courts métrages (Times Have Passed, For My Mother and Me, Unfortunately, Kizi Mizi, et des vidéos de musique (Allegro ma non tropp, Death to Five), qui ont tous présenté des thèmes et des éléments qu’on retrouvera plus tard dans Kill it and Leave This Town. Le passé, en particulier, semble porter un grand poids dans les films de Wilcynski, au point où l’on se demande s’il s’agit de se défaire difficilement du passé ou, si en y plongeant, on éclaire nos pas.

See the film list

Allegro ma non Troppo
Times Have Passed
From the Green Hill
Chop, Chop, Chop, Chopin
In the Stillness of the Night
For My Mother and Me
Death to Five
Kizi Mizi

Film strips, weeds, concert posters, maps, boarding passes, jewellery, photo negatives, envelopes, dollar store gift bags, beads, books, blankets., puppets, floral patterns, fabrics of all shades and colours, computer memory boards, junk mail, and even a horse’s kidney stone. All stuff you might stumble upon in a bizarro garbage heap, not animation films.

The ultimate recycler, experimental animator, Jodie Mack, a sort of animated Dr. Frankenstein, finds beauty and repurpose in life’s leftovers as she breathes new life into the forgotten, discarded and unconventional. Mack’s collages clash and collide along the way towards a semblance of harmony and unity. With rapid fire creativity fueled by unfettered delight and rampant curiosity, Mack has created an eclectic and joyful body of work that bridges contemporary art and animation with an utterly unpretentious – to borrow from music -, lo-fi, D.I.Y. approach.


Bouts de pellicule, herbes, affiches de concerts, cartes, cartes d’embarquement, bijoux, négatifs de photos, enveloppes, sacs cadeaux du magasin du dollar, billes, livres, couvertures, marionnettes, motifs fleuris, tissus de toutes les teintes et couleurs, mémoires d’ordinateurs, courriel indésirable, et même un calcul rénal de cheval. Voilà des trucs qu’on trouverait dans une drôle de pile de déchets, pas dans des films d’animation.

Recycleuse par excellence, l’animatrice expérimentale, Jodie Mack, une sorte de Dr Frankenstein de l’animation, voit de la beauté et une autre fin aux restants de la vie, alors qu’elle donne un autre souffle à ce qui est oublié, jeté ou non conventionnel. Les collages de Mack se confrontent et se percutent en chemin vers un semblant d’harmonie et d’unité. Grâce à une créativité féconde nourrie par un plaisir sans retenue et une curiosité débridée, Mack a créé une collection d’œuvres éclectiques et joyeuses qui lient l’art contemporain et l’animation sans aucune prétention et – pour emprunter à la musique – d’une approche basse fidélité et bricolée soi-même.

See the film list

Screening 1 – Short Selection (69:46)
A Joy, 2005, 3:00
Lilly, 2007, 6:10
Blanket Statement #1: Home is where the heart is, 2021, 3:00
Unsubscribe #1: Special Offer Inside, 2010, 4:30
Posthaste Perennial Pattern, 2010, 3:38
Unsubscribe #2: All Eyes on the Silver Screen, 2010, 2:45
Unsubscribe #3: Glitch Envy, 2010, 5:45
Glistening Thrills, 2013, 8:00
Persian Pickles, 2012, 3:00
Let Your Light Shine, 2013, 3:00
Undertone Overture, 2013, 10:50
Wasteland #2: Hardy,Hearty, 2019, 6:40
Something Between Us, 2015, 9:30

Screening 2 –
Dusty Stacks of Mom: The Poster Project, 2013, 41:00

“Flashing, pop-like imagery; visual and auditory narrations that explicitly touch upon sex, politics and social relations; vibrant installations that extend into three dimensions the artist’s fantastical animation world – these are but cornerstones of Wong Ping’s practice that combines the crass and the colourful to mount a discourse around repressed sexuality, personal sentiments and political limitations. Hong Kong born and raised, Wong Ping’s observations of society, from teenage to adult-hood, use a visual language that sits on the border of shocking and amusing.” (Edouard Malingue Gallery)


« De l’imagerie aux effets lumineux et au style pop; des narrations visuelles et auditives qui portent explicitement sur le sexe, la politique et les relations sociales; des installations vibrantes qui présentent en trois dimensions le monde de l’animation fantastique de l’artiste – telles sont les pierres angulaires de la pratique de Wong Ping, qui combine le grossier et le coloré pour monter un discours sur la sexualité réprimée, les sentiments personnels et les limitations politiques. Né et élevé à Hong Kong, Wong Ping offre des observations sur la société, de l’adolescence à l’âge adulte, qui utilisent un langage visuel sur la frontière entre le choquant et l’amusant. » (Edouard Malingue Gallery)

See the film list

OIAF21 Wong Ping retrospective screening list (75min approx running time)

Wong Ping’s Fables 1, 2018, 13:00
Modern Way to Shower, 2019, 12:00
Who’s the Daddy, 2017, 9:15
The Other Side, 2015, 8:02
Jungle of Desire, 2015. 6:50
Dear, Can I Give you a Hand, 2018, 12:00
Prada Raw Review, 2015, 0:28
Wong Ping’s Fables 2019, 13:30

Born above the fertile filmmaking soil of Winnipeg, Canada and raised in rural Manitoba, director and cinematographer Mike Maryniuk is a self-described “self taught film virtuoso” boasting a rich catalog of hand-altered celluloid to back up the claim. Mike’s films serve as a boiling scrapbook for an overlooked subset of the Canadian prairies, giving big importance to small-town concerns and promoting an appreciation of many wilderness-adjacent interests.

Delivering contemporary imagery through the enamel of age, the home brew films of Mike Maryniuk are a carefree nod to good old-fashioned prairie life, leaning on electric visuals and dynamic sound as the key ingredients to understanding the value of country living. Dig out your toque and let ‘er rip.


Né sur le sol fertile en cinématographie de Winnipeg, au Canada, et élevé dans le Manitoba rural, le réalisateur et cinéaste Mike Maryniuk se décrit comme étant un « virtuose du cinéma autodidacte », qui présente un catalogue riche de celluloïd modifié à la main pour appuyer cette affirmation. Les films de Mike servent d’album-souvenir débordant pour un sous-ensemble ignoré des prairies canadiennes, donnant une grande importance aux problèmes de petites villes et promouvant l’appréciation de plusieurs intérêts liés à la nature sauvage.

Offrant de l’imagerie contemporaine au moyen de l’émail de l’âge, les films concoctés maison de Mike Maryniuk sont un clin d’œil insouciant de la bonne vieille vie de prairie, s’appuyant sur des visuels électriques et des sons dynamiques comme ingrédients clés afin de comprendre la valeur de la vie de campagne. Sors ta tuque et lâche-toi lousse!

See the film list

Cattle Call, Melatonin
The Lytics ‘Toot Your own Horn’
The Riverton Rifle
The Yodeling Farmer
Blotto 649
Home Cooked Music
Tattoo Step
Dead Ringer
Asleep at the Wheel
No Cultural Value intro
Goose Droppings (excerpts from The Goose)
June Night
Consumption Falls
Paul Learly ‘Gary Floyd Revisited’

With computers driving many production workflows to at least a small degree, it has become a challenge to retain or create a sense of texture and tactility in the finished piece. This programme celebrates films and filmmakers who achieve an analog grit in the age of synthesized imagery.


Comme les ordinateurs gèrent la plupart des flux de production jusqu’à au moins un certain degré, il est devenu difficile de conserver et de créer un sens de texture ou de tactilité sur un produit fini. Ce programme célèbre les films et les cinéastes qui réussissent à offrir un grain analogue en cette ère d’imagerie synthétisée.

See the film list

The End of an Era
The Stroke
A Comprehensive Theory / 全面理论
Smell of Sound / Odeurs sonores
There Must Be Some Kind of Way Out of Here
March of the Ding Dings
The Cycle of Life

The sudden passing August 2021 of animator Jacques Drouin was a shock to many in animation, especially in the halls of the National Film Board of Canada where he was an influential and beloved fixture for decades.

Drouin will of course also be remembered throughout the animation community for his mastery of Alexander Alexeieff’s pinscreen device that left us with a unique body of work, including the widely acclaimed Mindscape (1976), Nightangel (co-directed with Břetislav Pojar, 1986) and his final film, Imprints (2004).

Revisiting Drouin’s career and his animation achievements are informative, but at the end of the day, what matters most is the quality of the person behind them. Drouin was a stellar human being known for his compassion, humour, humanity and modesty. The disbelief and deep grief that many are feeling over the loss of Drouin speaks volumes to his character.

(Chris Robinson)

Read more: Jacques Drouin, Master Of Pinscreen Animation, Dies At 78 (Cartoon Brew)


Sunday, October 3, 3pm & 4:45pm
Bytowne Cinema, 325 Rideau St, Ottawa

Félix Dufour-Laperrière • 72:00 • 2021 • Canada

A true animated film about an invented archipelago. About an imaginary, linguistic, political territory. About a real or dreamed country, or something in between.

Order your free ticket!

Read the Interview in English

Where is Here: Felix Dufour-Laperrière’s Archipelago 

by Chris Robinson


It’s only been two years since Canadian animator, Felix Dufour-Laperrière, debuted his critically acclaimed animated feature, Ville Neuve (2019). Incredibly, he’s already back with an equally multi-layered, mesmerizing and innovative new feature, Archipelago, which is all set to play at OIAF21.


Framed by the voices of an unknown woman (she might well be the voice of the river, or mother nature, or Quebec) and man (who frequently tells her “you don’t exist”), we travel along the Archipelago of Quebec, passing by many islands on the St. Lawrence river that make a large chunk of the Canadian province. Along the way, we encounter various sights and sounds from Quebec’s real and imagined past. Memory, history and dream are all rolled into one, just as they are in our daily lives, even if we’re not always cognizant of that (I look at family home movies and they don’t jive with my memories of some of those people,places and temperaments).


More visually and technically diverse and ambitious than Ville Neuve, Archipelago (which was made half on paper and half animated with TVPaint or under the camera) incorporates a number of impressive animation styles (courtesy of a couple of dozen animators including Malcolm Sutherland, Philip Lockerby, Jens Hahn, Eva Cvijanović) and techniques (drawings, scratch, paint, pastel, collage, stop motion, rotoscope) in addition to manipulated live action and archival scenes.


Made over a period of three years (the core part of production was completed just before the Pandemic greeted us) with a team of 12 animators and a modest budget of $625,000 (Canadian), Archipelago, is a poetic, personal and political work that plays with word, image, and sound, while circumnavigating a real and imagined collective and individual history. 


Archipelago is an intentionally restless film. We’re never quite sure where or when we are or who is speaking (akin, undoubtedly, to what some Québécois – and even many Canadians – feel about their fractured history and identity). The freewheeling and fragmented narrative mixed with the diverse, and often rough, drawing styles gives the film a sketchbook diary sensation, as though Dufour-Laperrière has cracked open his head and invited us to rummage through the assorted discoveries and impressions.


Felix Dufour-Laperrière kindly endured yet another Zoom interview to discuss more about the creation of Archipelago.


Given the short time between Ville Neuve and Archipelago, I’m guessing you had this new film planned and scripted before Ville Neuve was even finished. 


I started writing it in 2015 just a bit after the script for Ville Neuve was done. Honestly, it was a gift. It was fun to write. It was very close to me and it was easy to finance, which was surprising given the ‘experimental’ approach. It was damn fun to make. It was the kind of film that I wanted to make when I finished University but I didn’t have the money or maturity to be able to organize it. I just wanted to go inside a studio with people I like to work with and make images for two years. That was really the basic principle.


How was that different from the process of making Ville Neuve?


With Ville Neuve, I was trying to control more. I did all the layout and key frames myself. I might have tried to control too much. For Archipelago, it was fun. I only made some image, notes, excerpts and from these references, the animators would go off on their own for six months and we’d talk every other day or so. 


In some ways Archipelago feels like an extension of Ville Neuve, except you maybe move more away from the personal towards more abstract and fragmented perspectives, as though you’re merging all kinds of voices from past and present into a single narrative.


It’s a bit of the same subject matter, treated differently. Formally it’s very different. Lots more colour. I wanted to get away from the grey of Ville Neuve. I wanted to have fun. It’s a film about what makes a home or territory but I put a lot of things that I love in the film from a Quebec writer, Hubert Aquin, to my grandmother and daughter. When we belong to a place or a community, country or family, it is real but there is also an imaginary dream space, something that you project onto that space. So there’s a concrete part but also an imaginary aspect. That is precious to me.


Yes, it seemed to me that while you certainly explore Quebec and this idea of, as a character says in the film, an “impossible province”, you are asking a more general question about what is home, what does ‘home’ even mean.


Exactly. Archipelago has the same political intuitions as Ville Neuve, but it’s treated differently. A lot of it came from the relation with the archives. We love old footage of, say, windmills. It’s loveable. It’s also false, imaginary and a politically problematic view of the past. Archival images can be sort of beautiful. You feel like a kid, like memories of childhood.


That’s so true. Every so often I will go onto the National Film Board of Canada website and watch some 1940s or 1950s films about, say, Ottawa. There’s something comforting and warm about these works even though they’re complete bullshit. Home movies are the same way. Everyone looks some jovial and loving and united in them, but the everyday reality was quite a bit different.

Yes, absolutely, they’re false. It’s theatre.


We’re also never quite certain who is speaking, let alone where and when those voices are from.


That was intentional. It’s linked to home, to something we belong to being part real and part imaginary. When we observe a situation, there’s a lot of real and imagined past that goes into our present perspective. It’s like a post-modern take on history. Everything is contemporary, past and present are living together. For me, it’s pretty important because It helps you name things that you feel and perceive.


Did you spend a lot of time rifling through archival footage?


Looking for the right archives wasn’t painstaking, rather an on-going process during the whole first year of production.  Some of it was planned to be included at the very beginning, others come from family footage, friend’s film (actual footage and b-rolls). Some of it was shot in 16mm during the production (but appears as “archives”). 


Surprisingly, the principal archive footage that is used to, in a way, structure the film (the islands of the Saint-Laurent, with the maps and footage from the 40’s), wasn’t planned. I found it while looking for other material.


This archive is used in various ways: as a quotation (giving images and words from the past), as a basis for the rotoscopy, and also “against itself”, meaning it is reworked and edited to criticize itself, to reveal that a part of it is false, politically oriented and that we can (or should) also take a different meaning out of it, so that a different historical narrative can emerge.


What does that phrase “impossible province” mean to you?


It’s Quebec’s political destiny. We are still in this limbo between being fully part of Canada and carving out our own destiny. Many do not accept Quebec fully being a province of Canada. There’s this unresolved tension. Jacques Ferron [a Quebec writer and doctor who is referenced in the film] had a phrase the “uncertain country”, so it’s parroting that a bit.


I sense that you would like to see Quebec be its own nation, but do you also feel frustrated over this indecision…. like “Can we just make up or mind? Either we’re going to be part of Canada or and we’re going to form our own nation.”


Yes. I think we sometimes have this grocer mentality where we calculate the advantages and disadvantages. That thinking just doesn’t shape a political destiny, so yes I get frustrated that we can’t seem to grasp something.


You could say this about Canada as a whole. It’s always been this uncertain nation where we frequently ask: Who the hell are we, or more famously there’s a quote by Canadian scholar, Northtrop Frye, “where is here?” Are we English? American? Where is this thing called Canada?


It was a surprise to me that the same uncertainty is shared in English speaking Canada. 


Because of the experimental or non-linear approach and the different styles of animation, it sometimes felt like being inside someone’s sketchbook diary. Was there a lot of improvising going on?

Yes, a lot. From both me and the team. The team was really generous and involved. They had a lot of freedom but they gave a lot of themselves. There were 5-6 people who spent the whole two years with us.


Did you ever have any moments, because you were improvising, where you thought, ‘ where is this going?


Yes, every week!


It must have been liberating too.


Yeah, it was good to just step out of your ego and not try to be so controlling. It was fun to talk with people you like being with and to see the images they’d made. I did a feel a bit of anguish though about not having a film. I’m very precise with the editing. I recorded and edited the dialogue at the beginning so it’s very clearly placed. And I started putting the images over that. There was over twice the dialogue originally. So it was free yet precisely framed on the editing line.


How did you settle on these animators and what instructions did you give them?


It varied. For some sequences I was quite precise, but for others I gave them brief notes and then just said, “go and draw like you draw”. So your impression of it being like a sketchbook is right. Jens Hahn did some of the crowd sequences. It took me two years to convince him to just “go ahead man and do what you do.” I knew he was a painter, but he never shows anyone his work. He’s really good at free drawn portraits so I just asked him to do what he does. I had some ideas about what I wanted for certain scenes and approached animators whose work I thought would fit that. For example, I asked Phil Lockerby to draw the scene where people are drunk because I knew he was good at sketching people in bars. 


Do you set out now to make a feature or do the concepts dictate that?


(laughing) It’s a bit of pride perhaps, but I do love having a screening to myself. It’s wonderful. I love the length and space that you get directing a feature. You can take more time. It brings animation out of its normal public. I appreciate that. I’ve often launched films in a non-animation context. Those audiences often seem surprised by this auteur side of animation and the beauty and strength of it. 


(originally appeared online at Cartoon Brew)

Read the Interview in French

Où est ici : Archipelago, de Félix Dufour-Laperrière

Par Chris Robinson


Il y a seulement deux ans, l’animateur canadien, Félix Dufour-Laperrière, lançait son long métrage acclamé par la critique, Ville Neuve (2019). Incroyable mais vrai, il revient déjà avec un long métrage tout aussi complexe, envoûtant et innovateur, Archipelago.


Encadrés par les voix d’inconnus — une femme (elle pourrait bien être la voix du fleuve ou de mère Nature ou du Québec) et un homme (qui lui dit fréquemment « tu n’existes pas »), nous voyageons le long des archipels du Québec, en passant par les nombreuses îles du fleuve Saint-Laurent, qui forment une grande partie de la province canadienne. En chemin, nous rencontrons les divers paysages et sons du passé véritable et imaginaire du Québec. Les souvenirs, l’histoire et les rêves ne font qu’un, tout comme c’est le cas dans notre vie quotidienne, même si nous n’en sommes pas toujours conscients (p. ex., je regarde des films de famille tournés maison et ils ne correspondent pas aux souvenirs de ces personnes, lieux et personnalités).


Plus varié et ambitieux sur les plans visuel et technique que Ville Neuve, Archipelago (qui a été créé à moitié sur du papier et à moitié par animation grâce à TVPaint ou sous la caméra) incorpore un certain nombre de styles d’animation impressionnants (une courtoisie de deux dizaines d’animateurs dont Malcolm Sutherland, Philip Lockerby, Jens Hahn, Eva Cvijanović) et de techniques (dessin, grattage, peinture, pastel, collage, animation image par image, rotoscopie) en plus de scènes en direct manipulées et de scènes archivées.


Confectionnée sur une période de plus de trois ans (la partie la plus importante de la production a été terminée juste avant que ne s’impose la pandémie) au moyen d’une équipe de 12 animateurs et d’un modeste budget de 625 000 $ (canadiens), Archipelago, est une œuvre poétique, personnelle et politique qui joue avec les mots, les images et le son, tout en faisant le tour d’une histoire collective et individuelle réelle et imaginée. 


Archipelago est un film intentionnellement tendu. Nous ne savons jamais dans quelle époque ou à quel endroit nous nous trouvons, ni qui parle (sans doute un clin d’œil à ce que certains Québécois — et même certains Canadiens — ressentent par rapport à leur histoire et à leur identité fracturées). La narration débridée et fragmentée, mélangée à divers types d’illustrations, souvent brutes, donne au film un air de journal de croquis, comme si Dufour-Laperrière s’était ouvert le crâne et nous avait invités à fouiller parmi les découvertes et impressions pêle-mêle.


Félix Dufour-Laperrière s’est gentiment soumis à une énième entrevue sur Zoom afin de discuter plus en profondeur de la création d’Archipelago.


Étant donné la courte période entre Ville Neuve et Archipelago, je suppose que vous aviez déjà planifié ce nouveau film et rédigé son scénario avant même que Ville Neuve ne soit terminé. 


J’ai commencé sa rédaction en 2015, juste un peu après avoir terminé le script de Ville Neuve. Honnêtement, ce fut un cadeau. Ça a été le fun à écrire. C’était très près de chez moi, et c’était facile à financer, ce qui m’a surpris, compte tenu de l’approche « expérimentale ». Ça a été le fun en maudit à faire. C’est le genre de film que je voulais faire en sortant de l’université, alors que je n’avais pas l’argent ou la maturité pour être capable de l’organiser. Je voulais juste aller dans un studio avec des gens avec qui j’aime travailler, et produire des images pendant deux ans. C’était vraiment ça le principe de base.


En quoi était-ce différent du processus de création de Ville Neuve?


Avec Ville Neuve, j’essayais de contrôler plus de choses. J’ai fait toute la conception et les cadres les plus importants moi-même. J’ai peut-être trop tenté d’avoir le contrôle. Pour Archipelago, c’était le fun. J’ai juste fait des images, des notes, des extraits, et à partir de ces références, les animateurs prenaient six mois, et créaient leurs images de leur côté. Nous nous parlions tous les deux jours, environ. 


Sur certains aspects, Archipelago donne l’impression d’être une extension de Ville Neuve, sauf que vous vous éloignez peut-être davantage du personnel, pour vous rapprocher de l’abstrait et des perspectives fragmentées, comme si vous joigniez plusieurs voix du passé et du présent en une seule histoire.


Il s’agit un peu du même sujet, traité différemment. Formellement, c’est très différent. Il y a beaucoup plus de couleurs. Je voulais m’éloigner du gris de Ville Neuve. Je voulais m’amuser. Le film porte sur ce qui fait un chez-soi, un territoire, mais j’y ai mis plusieurs choses que j’aime; d’un auteur Québécois, Hubert Aquin, à ma grand-mère et ma fille. Quand on appartient à un endroit, à une communauté, à un pays ou à une famille, c’est réel mais il y a aussi un espace de rêve imaginaire, quelque chose que vous projetez dans cet espace. Il y a donc une partie concrète, mais également, un aspect imaginaire. Pour moi, ça c’est précieux.


Oui, j’ai eu l’impression que, bien que vous exploriez certainement le Québec et cette idée de, comme le dit un personnage dans le film, « province impossible », vous posez une question plus générale sur ce qu’est un chez-soi, ou la définition même du mot « chez-soi ».


Exactement. Archipelago a les mêmes intuitions politiques que Ville Neuve, mais elles sont traitées différemment. Beaucoup d’entre elles sont fondées sur la relation avec les archives. Nous aimons les vieux enregistrements, par exemple, ceux de moulins à vent. C’est adorable. C’est aussi une vision du passé fausse, imaginaire et problématique sur le plan politique. Les images d’archives ont leur beauté. On se sent comme un enfant, comme les souvenirs de notre enfance.


Tout à fait vrai. Il m’arrive parfois de fouiller sur le site Web de l’Office national du film du Canada et de regarder des films des années 40 ou 50 sur, disons, Ottawa. Ces œuvres ont un quelque chose de réconfortant et de chaleureux, même si elles sont trompeuses. Même chose pour les films tournés maison. Tout le monde a l’air si jovial, aimant et uni, mais la réalité de tous les jours était pas mal différente.

C’est ça, absolument. Ils sont faux, c’est du cinéma.


Nous ne sommes jamais vraiment certains de qui parle, et encore moins de l’endroit ou de la période d’où viennent ces voix.


C’était intentionnel. C’est en lien avec le chez-soi, une chose à laquelle nous appartenons qui est en partie réelle et en partie imaginaire. Lorsque nous observons une situation, il y a une grande part de passé réel et imaginaire qui va dans notre perspective actuelle. C’est comme une vision postmoderne de l’histoire. Tout est contemporain; le passé et le présent coexistent. Pour moi, c’est plutôt important parce que ça nous aide à nommer ce que l’on ressent et perçoit.


Avez-vous passé beaucoup de temps à fouiller dans des enregistrements archivés?


Trouver les bonnes archives n’a pas été un dur labeur, mais plutôt un processus continu au cours de la première année de production. On avait prévu d’inclure certains d’entre eux dès le départ, alors d’autres venaient d’enregistrements familiaux, du film d’un ami (de vrais enregistrements et des rouleaux B). Certaines parties ont été tournées en 16 mm pendant la production (mais elles apparaissent comme des « archives »). 


Fait surprenant : l’enregistrement d’archives principal, qui est utilisé pour, d’une façon, structurer le film (les îles du Saint-Laurent, avec les cartes et les enregistrements des années 40), n’était pas prévu. Je l’ai trouvé pendant que je cherchais d’autre matériel.


Cette archive est utilisée de multiples façons : à titre de citation (fournir des images et des paroles du passé), comme base pour la rotoscopie, et aussi « contre elle-même », c’est-à-dire qu’elle a été retravaillée et modifiée pour se critiquer elle-même, révéler qu’une partie est fausse, orientée du point de vue politique, et que nous pouvons (ou devrions) aussi en retirer une signification différente, afin qu’un autre narratif historique puisse en ressortir.


Qu’est-ce que l’expression « province impossible » signifie pour vous?


C’est le destin politique du Québec. Nous sommes encore pris entre le désir de faire partie du Canada à part entière et celui de façonner notre propre destin. Beaucoup de gens n’acceptent pas que le Québec soit réellement une province du Canada. Il y a une tension non résolue. Jacques Ferron [un auteur et médecin québécois que l’on mentionne dans le film] l’appelait le « pays incertain », et le film en fait écho en quelque sorte.


Je crois comprendre que vous aimeriez voir le Québec devenir sa propre nation, mais vous sentez-vous frustré devant cette indécision? Genre, « Est-ce qu’on peut se décider une fois pour toutes? Soit on fait partie du Canada, soit on forme notre propre nation ».


Oui. Je crois que nous avons parfois cette mentalité d’épicier qui calcule les avantages et les désavantages. Ce genre de pensée ne forme tout simplement pas une destinée politique, donc oui, ça me frustre que nous ne semblions pas capables de saisir quelque chose.


Vous pourriez en dire de même pour le Canada dans son ensemble. Ça a toujours été cette nation incertaine qui demande souvent : Qui sommes-nous vraiment? Ou mieux connue encore, la citation de l’universitaire canadien, Northtrop Frye, « où est ici? ». Sommes-nous Anglais? Américains? Où est cette chose appelée le Canada?


J’ai été surpris d’apprendre que cette même incertitude est partagée dans le Canada anglophone. 


En raison de l’approche expérimentale, ou non linéaire, et des différents styles d’animation, on avait parfois l’impression d’être dans le journal à croquis de quelqu’un. Y a-t-il eu beaucoup d’improvisation?

Oui, beaucoup. Tant de ma part que de celle de l’équipe. L’équipe a été vraiment généreuse et impliquée. Ils avaient beaucoup de liberté, mais ils ont donné beaucoup d’eux-mêmes. Environ cinq à six personnes ont passé les deux ans avec nous.


Y a-t-il eu des moments, parce que vous improvisiez, où vous vous êtes dit « Où est-ce que ça s’en va? »?


Oui, chaque semaine!


Ça a dû être libérateur, aussi?


Ouais, c’était bien de sortir de son égo et de tenter de ne pas être si contrôlant. C’était le fun de parler avec des gens qu’on aime et de voir les images qu’ils avaient créées. J’ai tout de même ressenti un peu d’angoisse du fait de ne pas avoir un film. Je suis très minutieux lors du montage. J’ai enregistré et fait le montage du dialogue au tout début afin qu’il soit placé clairement. Et j’ai commencé à mettre les images par-dessus. Au départ, il y avait plus de deux fois plus de dialogue. C’était donc libéré, mais à la fois cadré précisément sur la ligne de montage.


Comment avez-vous choisi ces animateurs et quelles instructions leur avez-vous données?


Ça variait. Pour certaines séquences, j’étais très précis, mais pour d’autres, je leur ai donné de courtes notes et je leur ai dit de « laisser libre cours à leur talent habituel ». Votre impression de journal de croquis est donc juste. Jens Hahn a fait certaines des séquences de foules. Ça m’a pris deux ans pour le convaincre de juste « vas-y mec, fais ce que tu fais ». Je savais qu’il était peintre, mais il ne montre jamais son travail à personne. Il est très bon pour dessiner des portraits à main libre, alors je lui ai simplement demandé de faire ce qu’il fait. J’avais des idées de ce que je voulais pour certaines scènes et j’ai approché des animateurs dont le travail coïncidait avec ce style. Par exemple, j’ai demandé à Phil Lockerby de dessiner une scène où les gens sont soûls parce que je savais qu’il était bon pour dessiner des personnes dans les bars. 


Voulez-vous maintenant faire un long métrage, ou bien ce seront les concepts qui le dicteront?


(rires) C’est peut-être une question de fierté, mais j’aime vraiment avoir une projection à moi. C’est merveilleux. J’adore la longueur et l’espace qu’on a quand on réalise un long métrage. On peut prendre plus de temps. Ça sort l’animation de son public habituel. Je l’apprécie. J’ai souvent lancé des films dans un contexte hors de l’animation. Ces publics semblent souvent surpris par ce côté auteur et sa beauté et sa force.

Best of OIAF ’21: Canadian Edition

Sunday, October 3, 1pm & 7pm
Bytowne Cinema, 325 Rideau St, Ottawa

That’s right kids, the OIAF actually has some in person events happening again. Join us for a special screening of some of the best Canadian animated shorts playing at this year’s OIAF. You might even get to meet some of the animators behind the films.
As usual, the screening features an eclectic mix of stories, techniques and themes ranging from powerful Indigenous tales, innovative music videos,  the re-birth of Buster Keaton and a dazzling abstract musical piece that references the late Rob Ford for no apparent reason.

Filmmakers in attendance:   
Ian Keteku (dir. Jollof Rice – More than a Dish)
Mawrgan Shaw (dir. Forgotten)
Neil Christopher (producer Angakuksajaujuq -The Shaman’s Apprentice) and Evan Derushie (DOP)
Terril Calder (dir. Meneath: The Hidden Island of Ethics)


Screening rated 14+

Order your free ticket! 

See the Film List

Runtime: 78 minutes

June Night| 4:13 | Mike Maryniuk 

Juxtaposing archival imagery with handcrafted animation, Maryniuk conjures up a shimmering utopian dreamscape, a post-COVID world shaped by the primordial forces of nature—haunted by the genial spectre of Buster Keaton.

Don’t Think About Her | 3:22 | Liza Desya 

The spiraling journey of a man who can’t stop thinking about his ex-girlfriend.

Flying Lotus ‘Remind U’ | 2:44 | Winston Hacking 

This is a stream of consciousness video collage – a lysergic puzzle of archive material. My hope is that kids will get it.

I’ll Be Your Kettle | 9:20 | Tobias Rud 

When a woman finds her partner infatuated with their kettle, she is thrown into a desperate journey of self-transformation to try and keep the relationship going.

electric + | 2:40 | Brandon Blommaert 

A slow sensuous dance gives way to a technical barrage of prismatic shards of love.

Angakuksajaujuq (The Shaman’s Apprentice) | 20:32 | Zacharias Kunuk 

A young shaman must face her first test—a trip underground to visit Kannaaluk, The One Below, who holds the answers to why a community member has become ill.

Jollof Rice – More than a Dish | 2:03 | Ian Keteku 

Jollof Rice is the most controversial African dish. Every West African has a unique relationship to the meal, and this is writer Ian Keteku’s story.

Forgotten | 4:23 | Mawrgan Shaw 

A timely interpretation of one senior’s loneliness, sorrow, and deteriorating grip on reality.

‘What the Walls Feel as they Stare at Rob Ford Sitting in his Office’ | 9:27 | Guillaume Pelletier-Auger 

The muted despair and confusion of Rob Ford or something like that.

Meneath: The Hidden Island of Ethics | 19:00 | Terril Calder 

Convinced she’s soiled and destined for Hell, a precocious Metis Baby Girl receives teachings that fill her with strength and pride, and affirm a path towards healing.

Ottawa Art Gallery

Wednesday, September 22 – Sunday September 26
Ottawa Art Gallery, 2 Daly Ave, Ottawa

To complement its online programming, the OIAF will offer special free in-person screenings of Canadian animated works Meneath: Hidden Island of Ethics and Frank Horvat ‘What the Walls Feel as they Stare at Rob Ford Sitting in his Office’ 

Courtesy of Calder, puppets used in Meneath will be on display at the OAG outside of the screenings. This is a rare opportunity to see these works in-person. Playing on a loop alongside Meneath at the OAG is the animated music video Frank Horvat ‘What the Walls Feel as they Stare at Rob Ford Sitting in his Office’. Viewers can lean into the puzzling nature of Pelletier-Auger’s work by watching the animated music video on loop. Some may find that with each viewing they discover a new sensation, potentially a sense of comfort in the undefined.

Audiences can attend these in-person screenings for free at the OAG during regular hours from 10:00am to 6:00pm EDTBook your free ticket.

Meneath: The Hidden Island of Ethics

Terril Calder • 19:00 • 2021 • Canada • Narrative Short Animation

Synopsis: Convinced she’s soiled and destined for Hell, a precocious Metis Baby Girl receives teachings that fill her with strength and pride, and affirm a path towards healing.

Frank Horvat ‘What the Walls Feel as they Stare at Rob Ford Sitting in his Office’

Guillaume Pelletier-Auger • 9:27 • 2020 • Canada • Commissioned Animation

Synopsis: The muted despair and confusion of Rob Ford or something like that.